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Thüringer Bach Collegium
Julia Gromball, Sopran

Antonio Vivaldi ist zweifellos der Protagonist der Gattung Konzert im Zeitalter der Aufklärung – ein Vorbild, dessen Konzerte sogar Johann Sebastian Bach ausgiebig studierte und als Anregung und Vorlage wählte. In Venedig kannte ihn ohnehin jeder: als furiosen Musiker, als ideenreichen Komponisten und als fordernden und fördernden Lehrer.

Formal entwickelte Vivaldi das Solokonzert aus der barocken Solosonate und dem Concerto grosso. Fast alle seine Konzerte entsprechen der prototypischen dreisätzigen Form (schnell – langsam – schnell) mit regelmäßigen Wechseln zwischen Ritornellen und Soli. Die Kunst und die Vielfalt liegen dabei im Detail: in individuell gezeichneten Instrumentalcharakteren, in reichem Dialogisieren zwischen Solo und Orchester und in wunderbar ariosen Mittelsätzen.

Die berühmtesten aus der Vielzahl wunderschöner Werke Vivaldis sind zweifellos die „Vier Jahreszeiten“ – ein Meisterwerk der musikalischen Erzählkunst. Programmatische Titel hatte Vivaldi, der damaligen Mode entsprechend, bereits zuvor mehreren Konzerten gegeben, und stets übertragen diese einen typischen Charakterzug der Komposition in einen außermusikalischen Zusammenhang. Vivaldis Jahreszeiten-Porträts sind in diesem Rahmen insofern einzigartig, als ihnen nicht nur Titel, sondern ganze Sonette (vermutlich vom Komponisten selbst gedichtet) vorangestellt sind, die detailreiche Stimmungsbilder zeichnen und Frühling, Sommer, Herbst und Winter anhand einer Fülle von Ereignissen, Bildern und Emotionen regelrecht körperlich erlebbar machen. Dazu leistet natürlich die Musik den entscheidenden Beitrag, zumal Vivaldi hier freier von formalen Regeln komponierte als in anderen Werken. So wird seine Musik noch vielfältiger, noch farbenreicher und durchaus auch extremer als in seinen anderen Konzerten.

Die Gedichtzeilen sowie zusätzliche beschreibende Titel stehen übrigen auch an der jeweils entsprechenden Stelle in den Noten; der Komponist empfand sie also auch für die Inspiration der Interpreten als wesentlich. Denn hier soll in Tönen erzählt werden!

Die Opernarie des Barock ist weit mehr als ein musikalischer Höhepunkt innerhalb einer Handlung: Sie eröffnet den Blick in die Gefühlswelt der Figuren. Liebe, Sehnsucht, Schmerz, Hoffnung und Verzweiflung werden in kunstvoller musikalischer Sprache unmittelbar erfahrbar gemacht. Insbesondere gilt das für die sogenannte Da-capo-Arie, die nach einem kontrastierenden Mittelteil zum Anfang zurückkehrt und den Sängerinnen und Sängern den Raum öffnet für neue emotionale Schattierungen und musikalische Auszierungen – kurz: für ein Maximum an persönlicher Ausdruckskraft.

Die in unserem Programm versammelten Arien stehen beispielhaft für die Vielfalt barocker Opernkunst. Mit dem berühmten Lamento der Dido aus Henry Purcells „Dido and Aeneas“ erklingt eine der ergreifendsten Abschiedsszenen der Musikgeschichte. Die verlassene Königin begegnet ihrem Schicksal mit erhabener Trauer und tief bewegender Würde.

Auch die Arien aus Johann Friedrich Agricolas „Achille in Sciro“ stehen ganz im Zeichen starker Emotionen. Zwischen Liebesbekenntnis und Vorwurf entfalten sich feine seelische Nuancen, die den empfindsamen Stil der Mitte des 18. Jahrhunderts bereits ankündigen.

Bei Händel begegnen wir schließlich zwei ganz unterschiedlichen Frauenfiguren. In „Partenope“ strahlt die Arie „Voglio amar“ Lebensfreude, Entschlossenheit und den Mut zum Liebesbekenntnis aus. Demgegenüber steht Cleopatras berühmte Arie „Piangerò“ aus „Giulio Cesare“: In größter Bedrängnis schwankt sie zwischen Klage, Hoffnung und innerer Stärke. Händel gelingt es hier einmal mehr meisterhaft, menschliche Gefühle in Musik von zeitloser Ausdruckskraft zu verwandeln.

Einlass: 1 Stunde vor Beginn

Schüler bis 15 Jahre haben freien Eintritt und benötigen kein Ticket